Se ha dicho desde la aparición de la IA y la constatación de que estaba dejando su huella en todos los sectores de la industria del audiovisual, que quienes más tenían que temer el impacto de esta nueva tecnología eran los trabajos invisibles, de guionistas a técnicos de efectos especiales o editores. Sin embargo, pasados unos meses, está claro que nadie está a salvo: los rostros que se presentan frente al público y que aparentemente no pueden ser sustituidos están padeciendo también el impacto de la IA.

Quitate tú para ponerme yo. 'Hate the Way I Love You' es un microdrama de 40 episodios en la app especializada MoBoReels sobre una pareja cuya felicidad se tambalea después de un diagnóstico de cáncer. Meses después del rodaje, la actriz protagonista, Ashley BeLoat, descubrió que en la misma app había aparecido una serie con idéntico guión y escenarios. Sin embargo, la protagonista era más joven y canónicamente atractiva hasta un punto artificial: pelo más abundante, más escote, rasgos que rozaban la perfección de un dibujo animado... y una voz que no era exactamente la suya, pero sí extremadamente parecida. El título de la serie clónica era ''Love You, Leave You'.

Formato sin sindicar. Los microdramas, formato que explotó en China antes de pasar a otros países, mueven ya en Estados Unidos 1.400 millones de dólares, y el formato va a aterrizar en un futuro próximo también en España. Son series con episodios de un minuto, rodadas en vertical con presupuestos ajustadísimos, y hasta plataformas como Disney+ han visto ahí un filón que se resiste a cuajar en el mainstream, donde el público está acostumbrado a producciones más largas y lujosas, pero al que sin duda veremos crecer en los próximos años. De hecho, un solo título con tirón puede facturar entre 12 y 15 millones de dólares, y esa combinación de rodajes baratos e ingresos altos dispara la ambición y hace que las productoras den un paso inaudito, con la sustitución de actores por clones. 

Picante sin consentimiento. De hecho ya se habían detectado acciones más sutiles pero también más turbias. Por ejemplo, algunas apps de microdramas usaron la IA para generar anuncios sexualizados y no muy fieles al contenido real de las series, pero con los actores originales. Meses antes de la denuncia de BeLoat, que aún no ha tenido respuesta por parte de MoBoReels, otra actriz del sector, Tess Dinerstein, descubrió un anuncio de una de sus series que incluía contenido sexual explícito, generado con una imagen suya que ella no había grabado. Otra compañera suya, Faith Orta, también vio al personaje de su serie semidesnudo en un anuncio de TikTok, pese a que esa escena nunca se rodó.

Más casos. El caso de BeLoat no es único: Brittany Marsicek, con más de 25 microdramas en su curriculum, vio cómo MoboReels rehacía con IA otra de sus producciones, 'Ex-Husband, Step Aside, Lady Boss Returns'. De nuevo se encontró una clonación como BeLoat, y reconoce su desprotección ante contratos que dan a la productora permisos de edición muy amplios. "Piensas que igual la editan de vertical a horizontal", comentó. "pero no que la edición consista en cambiar por completo tu imagen."

A otro actor, Evan Gambardella, le sucedió con una app distinta, GoodShort. En este caso la app sí respondió a sus demandas, aduciendo que no respaldaba el uso no autorizado de la imagen, la voz o la identidad de un actor, pero que la serie fue adquirida a través de terceros, así que no podían hacer nada. Como es compolicado demostrar que el clon se inspiraba en su físico, Gambardella ha descartado la vía legal, pero desde entonces no ha vuelto a conseguir trabajo y sospecha que puede estar vetado en el sector.

Distintas condiciones. Hasta donde sabíamos, los actores de Hollywood conquistaron ciertos hitos lehales tras los 118 días de huelga en 2023: un intérprete sintético solo puede sustituir a uno real si aporta un "valor añadido significativo", y clonar la voz o la imagen de un actor exige su consentimiento. Pero hay espacio para la trampa: los intérpretes de microdramas no suelen estar asociados a SAG-AFTRA, el sindicato que comandó las protestas, y firman contratos que ni mencionan la IA. Ese vacío, según contaba a Business Insider el abogado especializado en entretenimiento Jonathan Handel, es "el canario en la mina". El pacto de SAG-AFTRA protege a quien está dentro del sindicato, pero Marsicek, Gambardella y BeLoat firmaron fuera de ese paraguas.

Mientras tanto, las series que clonan producciones propias (el objetivo está claro: incrementar el contenido y el catálogo de forma barata) son cada vez más abundantes. Uno de los últimos casos: ReelShort estrenando una versión de animación de su serie 'Poolboy', titulada 'Under the Surface'. Hay quien dice que hay que entender esto como un experimento aislado y que no va a durar, pero los beneficios para las productoras sin escrúpulos son tan claros e inmediatos que la pregunta que nos podemos hacer va más bien por otro lado: cuánto tiempo van a tardar las grandes productoras en encontrar agujeros legales que les permitan poner en práctica variantes de esta jugada.

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La noticia Algunos actores están perdiendo trabajos. Se los están quitando sus propios clones hechos con IA fue publicada originalmente en Xataka por John Tones .

Desde 1996, es tradición en la franquicia 'Resident Evil' no dejar claras las claves de su historia a sus jugadores. La narrativa difusa, los detalles parcos y la información lateral son habituales en la franquicia y ni los recientes remakes ni las últimas entregas hacen demasiado por aclarar la alambicada continuidad del juego, aunque sí es cierto que parece haber cierta voluntad de simplificación.

Vamos a intentar arrojar algo de luz a la oscura historia en la que se sustentan los argumentos de los 'Resident Evil', y para ello hemos ordenado cronológicamente los videojuegos. Precuelas primero, y el resto ordenados para entender a fondo la historia del choque colosal entre Umbrella y STAR, con muertos resucitados y mansiones coloniales al fondo. Estos son los juegos de 'Resident Evil' en orden cronológico, con las fechas ficticias donde transcurren.

AVISO: Como es natural, este texto contiene spoilers de algunos elementos claves del argumento de la franquicia. Adéntrate bajo tu responsabilidad.

'Resident Evil Zero' (2002): 23 de julio, 1998

Como su propio título indica, este juego transcurre inmediatamente antes del 'Resident Evil' original, y sigue a Rebecca Chambers, miembro del equipo Bravo del grupo de operaciones especiales STARS y a un presidiario, Billy Coen, que investigan una serie de asesinatos en las montañas. Allí se topan con un tren accidentado perteneciente a la corporación Umbrella. Uno de los agentes de la empresa, Albert Wesker, es enviado a ocultar las pruebas.

También en esta aventura conoceremos a James Marcus, responsable de los ataques al tren y al convoy donde viajaba Coen, y científico que desarrolló un virus para su empleo por Umbrella como arma bacteriológica. La Queen Leech, una sanguijuela mutada con ese T-Virus, acaba tomando control de su cuerpo. Si quieres un aperitivo a 'Resident Evil Zero', pásate por 'Wesker's Report II', unos diarios escritos para promocionar el remake de 2002 de 'Resident Evil' que puedes leer traducidos al inglés aquí. En ellos descubrirás más sobre Wesker, personaje clave de la saga, primer compañero de Marcus y luego hombre-para-todo al servicio de Umbrella.

'Resident Evil' (1996): 24 de julio, 1998

Pasamos al primer juego editado de la franquicia: el mítico 'Resident Evil' original. El día siguiente a lo narrado en 'Zero' conocemos al resto del Equipo Bravo de STARS. Chris Redfield, Jill Valentine y Barry Burton (a los que se une ocasionalmente Rebecca Chambers) deambulan por la mansión de Oswell Spencer, uno de los fundadores de Umbrella, y cuyos sótanos están hechos un sindiós debido al sabotaje de Marcus. Mientras intentan salir de ahí se descubre que Wesker está intentando chantajear a Barry, y el agente de Umbrella libera (y aparentemente muere en el proceso) una bestia mutante llamada Tyrant.

'Resident Evil 3: Nemesis' (1999): 27-28 de septiembre, 1998

En términos generales, las entregas 2 y 3 de 'Resident Evil' son casi simultáneas, pero si nos ponemos especiales, en realidad la segunda está insertada cronológicamente en mitad de la tercera entrega. En la primera mitad de la tercera parte, Jill Valentine intenta huir de una Raccoon City hecha mistos por la acción del T-Virus desatado. Un Tyrant power-upeado con un parásito creado en los ochenta, llamado Nemesis, intenta acabar con todos los miembros de STAR supervivientes para encubrir las maldades de Umbrella.

Mientras tanto, Umbrella envía a su propia unidad de operaciones especiales, la UBCS, para que ayuden a contener a los infectados. En realidad lo que quieren es monitorizar cómo los zombies reaccionan ante un equipo armado, con lo que queda clara la intención de la compañía de usar el T-Virus como bio-arma. Jill y un miembro del UBCS, Carlos Oliveira, se hacen amigos, y ella es infectada. Se refugian en una iglesia abandonada mientras que...

'Resident Evil 2' (1998): 29 de septiembre, 1998

Nuestros nuevos protagonistas son Claire Redfield, que busca a su hermano Chris en Raccoon City, y Leon Kennedy, en su primer día en la comisaría de la ciudad. Leon conocerá también a Ada Wong, que busca una muestra del G-Virus de William Birkin -joven y ambicioso virólogo de Umbrella-, mucho más potente que el T-Virus. En realidad, trabaja para la misteriosa Organización. La historia de Birkin, su intento de traicionar a Umbrella y su autocontagio del G-Virus (y posterior mutación) son la historia tras el caos inicial en Raccoon City, a causa de un accidente con muestras del T-Virus. Claire acaba salvando a Sherry Birkin, hija del científico, cuando este intenta infectarla con el G-Virus.

'Resident Evil 3: Nemesis' (1999): 1 de octubre, 1998

En la segunda mitad de RE3, Carlos y Jill (ya curada del T-Virus) tienen que salir de Raccoon City antes de que el ejército estadounidense borre la ciudad del mapa con una bomba nuclear. Barry aparece in extremis para salvar a nuestros dos héroes antes de que una instalación de Umbrella vuele por los aires y Nemesis sea definitivamente derrotado.

'Resident Evil Survivor' (2000): Noviembre, 1998

El primer spin-off de la saga se adentró por primera vez en el arcade puro, dejando atrás los modos del survival horror y adelantándose a la cuarta entrega y a la primera persona de la séptima. Tenemos a un protagonista amnésico intentando descubrir quién es, con enemigos salidos del segundo juego y un nuevo tipo de Tyrant. El juego y su secuela son divertidos, pero inferiores a las entregas con pistola de luz de Wii.

'Resident Evil Code Veronica' (2000): 29-30 de diciembre, 1998

Claire Redfield sigue buscando a su hermano, pero es capturada por Umbrella y enviada a una isla-prisión. Descubrimos que Wesker fingió su muerte porque estaba infectado con un virus que le daba fuerza sobrehumana, y provoca el caos liberando una muestra del T-Virus. También descubrimos que ha traicionado a Umbrella y tiene sus propios planes. Más gente: Steve Burnside, otro preso que ayuda a Claire; Alfred Ashford, alcaide chiflado cuya personalidad se desdobla en la de su gemela Alexia

Ésta, en realidad, está prisionera en una base de Umbrella en la Antártida, y allá que van Claire y Steve. Las investigaciones de Chris Redfield le acaban llevando también allí, y también llega Wesker, con sus propios y misteriosos planes. La monstruosa Alexia es vencida, Wesker sobrevive gracias a sus poderes y Umbrella parece, ahora ya sí, definitivamente cancelada.

'Resident Evil: The Darkside Chronicles' (2009): Verano, 2002

Nueva relectura de los sucesos que tuvieron lugar entre 1998 y 2002. Es una secuela de 'Umbrella Chronicles', que se sitúa antes en el tiempo aunque el juego salió después. Es una versión mejorada de aquel juego de pistola para Wii y los protagonistas son un combinado de personajes de otros juegos, como Leon S. Kennedy, Claire y Chris Redfield o Steve Burnside entre otros. Sirve para sentar los precedentes del algo aislado argumentalmente 'Resident Evil 4'. En este caso, Leon viaja tras 'Resident Evil 2' a Sudamérica para investigar a un capo de la droga con conexiones con Umbrella.

'Resident Evil: Dead Aim' (2001): Septiembre, 2002

Cuarto juego de la serie de pistola de luz de Capcom para Playstation 2, y uno de los mejores de su tipo en la franquicia. Sus protagonistas han sido olvidados (aunque se recuperaron para el crossover 'Namco × Capcom' de 2005) y se recupera la idea del crucero que ya se descartó para alguna secuela oficial. Transcurre después de la destrucción de Raccoon City y con una Umbrella aún deseando sembrar el caos en el mundo con misiles de T-Virus apuntando a las principales capitales del mundo.

'Resident Evil: Umbrella Chronicles' (2007): Febrero, 2003

Este juego sobre raíles para Wii, aparte de ofrecer una diversión de primera, está integrado en el lore de la franquicia (a veces contradiciéndolo), con niveles que sobrevuelan toda la cronología de la saga, de 'Zero' a 'RE3'. Como en 'Darkside Chronicles', hay abundantes protagonistas de otros juegos: Rebecca Chambers, Chris Redfield, Jill Valentine, Albert Wesker, Ada Wong y otros. Lo ubicamos aquí por el nivel exclusivo 'El fin de Umbrella', donde Chris Redfield y Jill Valentine visitan una base de operaciones de Umbrella ubicada en Rusia.

'Resident Evil 4' (2005): 2004

Un juego casi desconectado del resto de la serie, y que arranca cuando el agente (ahora para el gobierno) Leon Kennedy llega a un pueblo perdido de España con la misión de rescatar a la hija del presidente, Ashley. El lugar está infectado con un parásito, Las Plagas, sin vinculación con Umbrella. Hace su aparición Ada Wong, aquí trabajando para Wesker y en busca del parásito, pero acaba ayudando a Leon en su misión (y quedándose con una muestra de Las Plagas)

'Resident Evil Revelations' (2012): 2005

Este spin-off transcurre poco después de 'Resident Evil 4' y trae de vuelta a Jill Valentine como protagonista, acompañada de Chris Redfield y un agente anti-bioterrorista nuevo, Parker Luciani. A principios de la década pasada, la franquicia se centró en reflejar el conflicto entre bioterroristas (Umbrella, amigos y renovaciones) y la respuesta gubernamental, con agentes de distintas organizaciones. Volvemos al ambiente de un barco abandonado, uno de los temas recurrentes de la serie después de haber sido descartado en los orígenes de la franquicia.

'Resident Evil 5' (2009): 2009

En 2009, Chris Redfield viaja, a las órdenes de una agencia antiterrorista, al ficticio país africano de Kijuju, acompañado de la agente Sheva Alomar, para investigar un nuevo brote de Las Plagas. Tras eliminar al responsable, descubren el origen natural del T-Virus de Umbrella, ahora conocido como virus Progenitor. Entra en juego una nueva compañía, Tricell, dueña de la agencia para la que trabajan Redfield y Alomar y continuadora de los planes de Umbrella.

Por supuesto, Albert Wesker no anda lejos, y sorprendentemente, tampoco Jill Valentine, que sigue viva. Descubrimos más sobre los orígenes de Wesker como un clon infectado y rebelde al servicio de Umbrella. Descontento con esta naturaleza, Wesker decide contaminar a la humanidad con un nuevo virus, el Uroboros, derivado directo del Progenitor original, al estilo del T-Virus. Se revela que Jill está controlada por Wesker debido a sus características genéticas, pero es liberada. Wesker y el CEO de Tricell mueren en el enfrentamiento final.

Ojo también a los dos DLC que salieron del juego: 'Lost in Nightmare' transcurre antes de 'Resident Evil 5', y en él Jill Valentine y Chris Redfield rastrean al mismísimo fundador de Umbrella, Oswell E. Spencer. Lo que hace pensar que 'Resident Evil Resistance', el reciente modo del remake de 'RE3' transcurre en algún momento posterior a este 'Lost in Nightmare'. El otro DLC de 'RE5', 'Desperate Escape', muestra a Jill y otro agente de la BSAA, Josh Stone, enfrentándose entre sí y contra la corporación Tricell. Transcurre paralelo al juego principal de 'RE5'.

'Resident Evil: Revelations 2' (2012): 2011

Con 'Resident Evil 5' y sus DLCs cronológicamente por delante (aunque hay quien opina que 'Revelations 2' iría por delante de 'RE5'), llega la secuela de 'Revelations' con una entrega protagonizada por Claire Redfield (ahora como operativa de una agencia ecologista conocida como Terra Save), el pupas de Barry Burton, del 'Resident' original, y su hija Moira. 13 años después del holocausto de Raccoon City, vuelve el virus Uroboros y viejos conocidos del clan Wesker, incluso a los que creías desaparecidos.

'Resident Evil 6' (2012): 2012-2013

'Resident Evil 6' cuenta tres historias, todas posteriores a los hechos del anterior juego y casi todas con viejos conocidos. No es el caso de la historia de Jake Muller, que descubre que es el hijo de Albert Wesker. Vuelve Sherry Birkin de 'Resident Evil 2', ya adulta, en una misión europea de rescate de Muller, y con un torrente sanguíneo que puede contener una potencial cura para el virus.

Chris Redfield, tercero en discordia, se une a la acción cuando las cosas se ponen feas. Umbrella, por su parte, ha resucitado, ha creado un clon malvado de Ada Wong y está comandada por Derek Simmons, que asesina al presidente y tiene un plan para extender el virus por todo el mundo. Finalmente, Neo-Umbrella es borrada de la faz de la Tierra ciertamente presentando menos resistencia que la anterior encarnación de la compañía.

'Umbrella Corps' (2014): 2015

Este reciente y desastroso shooter táctico solo roza tangencialmente el argumento de la franquicia, centrándose en los tejemanejes pseudobélicos de Umbrella (ahora reconvertida en compañía militar privada, llamada Blue Umbrella desde 2007) y un par de equipos paramilitares combatiendo para hacerse con sus recursos. Ahora Umbrella son los buenos, sí, se asocian con la BSAA, luchan contra las armas biológicas y su acción corre más o menos paralela a 'Resident Evil 6'.

'Resident Evil 7' (2017): 2014-2017

El último juego cronológico de la serie nos brinda, con el cambio de perspectiva a primera persona, una nueva historia que se aleja de lo que habíamos visto en entregas recientes. Ethan Winters es un hombre que busca a su mujer desaparecida Mia en las inmediaciones de la casa de la siniestra familia Baker. Cuando la encuentra, descubrimos cómo ha llegado allí: tras un accidente, en compañía de una chica llamada Eveline. En realidad, Mia es un agente y Eveline una bioarma, causante de todo el desastre y responsable última de atraer a Ethan hasta allí.

'Resident Evil 8: Village' (2021): 2021

'Resident Evil 7' acababa con Chris Redfield salvando a Ethan y a su mujer (dependiendo de las elecciones que se hayan tomado en el juego) en un helicóptero con el logo de Umbrella. Tres años después conoceremos el final de su historia, con más elementos vinculados a Umbrella y a sus orígenes. Desde aquí la cronología da un salto nunca antes visto: el contenido descargable 'Shadow of Rose' está ambientado 16 años después, lo que nos pondría en 2037, con la hija de Ethan intentando deshacerse de lo poderes heredados de su padre.

'Resident Evil Requiem' (2026): 2026

Cinco años después de 'Village', la novena entrega de la saga recoge el testigo de Ethan Winters repartiéndose entre dos protagonistas jugables y dos maneras opuestas de jugar. Aquí la cámara se va al hombro y la balanza se inclina del terror a la acción marca 'RE4': un arsenal enorme, ejecuciones cuerpo a cuerpo con hacha y una pulsera que convierte cada baja en puntos para mejorar el equipo. La cosa se dispara —literal— con el regreso a las ruinas de Raccoon City, con jefes descomunales y un tono nostálgico que, según el análisis de VidaExtra, tira de recuerdo sin caer en el fan service. 

En Xataka | Un fan de 'Resident Evil 4' se empeñó en encontrar la localización exacta del juego. Veredicto: Cantabria

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La noticia Cómo jugar a todos los 'Resident Evil' en orden cronológico fue publicada originalmente en Xataka por John Tones Yúbal Fernández .

"Mucho han tardado" podrá murmurar entre dientes algún fan que no termine de ver claro cómo van a encajar dos franquicias tan dispares como Marvel y 'Star Wars'. Y no es para menos: pese a coincidencias muy claras (Doom y Vader como villanos, con paralelismos físicos muy notorios, mezcla de alta tecnología y poderes arcanos), hay que dar un salto espacial y temporal muy notable para que ambas historias coincidan. Pero ese salto va a darse. Vaya si va a darse.

El lanzamiento. Marvel Comics y Lucasfilm Publishing acaban de confirmar el lanzamiento de 'Star Wars/Marvel: Hope Assembles' (evocadora referencia a dos palabras clave de ambas franquicias, el "Hope" del título del 'Episodio IV' y el "Uníos" de los Vengadores). Es el primer cruce oficial entre las dos franquicias, y tomará forma en un cómic de cinco números guionizado por Kevin Smith y dibujado por David Márquez. Lo podremos leer en enero de 2027 (año, por cierto, en el que se celebra el 50 aniversario, precisamente, del estreno de 'Una nueva esperanza').

El truco. ¿Y cómo va a hacerse? La serie no incorpora a Luke Skywalker ni a Darth Vader al universo Marvel por las buenas, sino que plantea un "hechizo que rompe la realidad" y que traslada el universo de Star Wars a la Tierra-616. Como se puede ver en las primeras imágenes que ha facilitado Disney, la plana mayor de ambos universos estará presente, incluyendo a villanos como Doom y Darth Vader. Al parecer, también Thanos podría sumarse a la fiesta, aunque de momento no se ha anunciado oficialmente.

No, pero CÓMO va a hacerse. La verdad es que a poco que se piense en ello, los paralelismos comienzan a brotar. ¿Podría ser la Fuerza un poder mutante? ¿Veremos a Chewbacca curtirse el lomo con Hulk? La presencia de Smith es, en cierto sentido, una garantía, porque aunque el guionista y director tiene fama como fan respetuoso, también es amigo de plantear alternativas, caminos paralelos e inyectar buenas dosis de parodia a sus proyectos. Sin duda, Smith es una elección muy interesante para poner en pie este cruce. 

Cambios en Marvel. El anuncio llega apenas un mes después de que Marvel Comics confirmara que C.B. Cebulski, tras casi nueve años como editor jefe, pasaba a dirigir la línea de manga de la editorial en Japón, siendo sustituido por Stephen Wacker. Es él quien en el anuncio, firmaba una frase premonitoria: "las historias de Marvel y Star Wars llevan cincuenta años entrelazadas y marcando el estándar narrativo". 

¿Es esto el principio de nuevas historias para la compañía? Quien sabe: la empresa invirtió 1.500 millones de dólares en Epic Games, y ahora Marvel y Star Wars conviven, sin cruzarse, dentro de 'Fortnite'. En el cine la cosa está por ver, pero francamente, con una industria bajo sospecha de agotamiento creativo (incluso gestando éxitos como 'Spiderman: Brand New Day') no cuesta mucho trabajo pensar que esto que ahora son solo viñetas terminaremos presenciándolo en su correspondiente versión en imagen real. 

En Xataka | Disney lleva años intentando salir del estancamiento de 'Star Wars': The Mandalorian and Grogu' no ha tenido el mejor arranque

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La noticia Disney vive una crisis de franquicias. Su solución es redoblar la apuesta juntando a Star Wars y Marvel fue publicada originalmente en Xataka por John Tones .

El Wild Goose es el yate que entró en el puerto de Barcelona el 11 de agosto de 1963, procedente de Palma de Mallorca y con rumbo a Marsella. A bordo iban John Wayne, su mujer Pilar Pallete, dos de sus hijos y un grupo de amigos invitados al crucero. El actor volvió a la ciudad poco más de un mes después, ya sin estar de vacaciones, para protagonizar la superproducción 'El fabuloso mundo del circo', que dio más de un dolor de cabeza a su productor.

Ese yate bueno. Wild Goose se construyó en 1943 con la intención de que fuera un dragaminas para la Marina estadounidense, y pasó el primer tramo de su vida útil despejando campos de minas en las islas Aleutianas, en el norte del océano Pacífico. En 1946 se le dio de baja de sus funciones y pasó primero a un naviero de Vancouver y después a un empresario maderero de Seattle.

Llega John Wayne. John Wayne lo compró en 1962 por 116.000 dólares y lo convirtió en un lujoso espacio de ocio, con piano de cola, comedor formal, biblioteca y camarotes renovados. Por tanto, aquella visita de ocio a España fue el primer gran viaje del yate reformado. Todo esto lo sabemos gracias a Hornblower, la empresa que opera hoy la nave como crucero turístico en California. 

Un circo. El primer director previsto para 'El fabuloso mundo del circo' no era Henry Hathaway, que acabó firmándola. Era un encargo del superproductor Samuel Bronston a Nicholas Ray, que tuvo que ser apartado del proyecto tras sufrir un infarto durante el rodaje de '55 días en Pekín'. Su primer relevo fue el legendario Frank Capra, director de clásicos como 'Qué bello es vivir', pero chocó con James Edward Grant, guionista habitual de Wayne, y con el propio actor, que odiaba los guiones previos, gestionados por Capra. Éste abandonó el proyecto en el verano de 1963 y Hathaway asumió la dirección con el rodaje casi empezado. 

De qué va. Lo que convierte la película en una superproducción extraña es que no estaba muy claro el tono que se le quería dar a la historia, si un melodrama nostálgico o un vehículo de acción para Wayne. En ella, el actor da vida a Matt Masters, dueño de un circo itinerante que llega a Europa buscando a Lili Alfredo (Rita Hayworth), un antiguo amor cuya hija Toni (Claudia Cardinale) ha criado entre carpas y acróbatas. Pero nunca le ha contado que él es su verdadero padre.

Qué se rodó en España. El rodaje en Barcelona se centró en el hundimiento del barco que transporta el circo del protagonista, escena filmada en la zona del monumento a Colón con una réplica construida para la ocasión. Hasta 600 trabajadores del puerto, pescadores y vecinos fueron contratados como extras, y actores españoles como José María Caffarel, en el papel del alcalde de Barcelona, completaron el reparto. 

Fue un rodaje accidentado: en una secuencia con fuego real, la carpa del circo estuvo a punto de desplomarse sobre Wayne, que no oyó el aviso del ayudante de dirección para evacuar el decorado. Y en otra, ya subido al barco que se hundía, se torció una pierna y tuvo que ser atendido en un hospital de la ciudad. España estaba a punto de convertirse en uno de los escenarios baratos por excelencia de las producciones extranjeras, como sucedería con Almería y los westerns de Sergio Leone.

Un fracaso. 'El fabuloso mundo del circo' se filmó en Technirama y se amplió después a formato de 70 milímetros para estrenarse en ese formato tan de moda hoy gracias a Christopher Nolan, y que tres años antes había triunfado con 'La conquista del Oeste'. La película pinchó en taquilla, ya que con un presupuesto estimado de 9 millones de dólares, recaudó apenas 1,6 millones en Estados Unidos. Fue la última gran superproducción de Bronston en España: ese mismo mes, su productora se declaró en quiebra.

Un trágico final para uno de los grandes nombres del cine (que aún tendría que enfrentarse a más de un juicio por su dudosa forma de llevar las cuentas). Pero que, eso sí, tuvo uno de sus últimos grandes momentos icónicos cuando John Wayne atracó en el puerto de Barcelona con un yate propio.

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La noticia John Wayne llegó en 1963 a España a bordo de su yate privado para rodar uno de sus mayores fracasos de taquilla fue publicada originalmente en Xataka por John Tones .

Este 12 de agosto, Prime Video estrena los tres primeros episodios de la cuarta temporada de 'Reacher'. A partir de ahí, uno por semana hasta el 16 de septiembre, fecha que los fans tienen marcada a fuego porque es el estreno de 'Neagley', el spin-off centrado en la socia ocasional del protagonista. Tenemos por delante unos meses rebosantes de thriller y suspense de altísimo voltaje.

'Reacher' lleva desde 2022 siendo uno de los mayores éxitos de Prime Video. y abrió la plataforma a un tipo de público que la televisión "de prestigio" ya no prestaba atención: los mismos hombres de cierta edad que en el pasado seguían con devoción 'Walker, Texas Ranger', 'Alerta Cobra' o 'Rex, un policía diferente'. 'Reacher' dio carta de legitimidad a estas series sencillas y directas y a la vez le brindó una sofisticación y cierta autoironía que ha atraido a nuevos espectadores.

De momento, sigue adelante la fórmula de una novela de Lee Child por temporada, con Alan Ritchson encarnando a un expolicía militar que se adentra en casos que ponen al descubierto los alcantarillados de las conspiraciones políticas y las fuerzas del orden subterráneas. El propio Ritchson ha definido esta cuarta temporada como "la mejor hasta ahora", y se inspira en la novela 'Mañana no estás'.

En esta ocasión, se topa con una mujer asiática que viaja en el metro de madrugada. Reacher cree que lleva explosivos encima e interactúa con ella (de forma más comedida que en sus interacciones habituales, la verdad), pero ella se comporta de forma enigmática y acaba suicidándose con un revólver. Es solo el punto de partida de una persecución que enfrentará a nuestro héroe vagabundo con la CIA y con políticos del más alto nivel.

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La noticia "La mejor hasta ahora": ya en Prime Video la temporada 4 de este thriller que se ha convertido en uno de los grandes éxitos de Amazon fue publicada originalmente en Xataka por John Tones .

Josh D'Amaro lleva solo cinco meses como consejero delegado de Disney y ya ha soltado una bomba en una llamada con inversores que deja en ridículo la ambición de cualquier plan financiero previo de Disney+: se acercan tarifas gratis. Sobre todo cuando regalar contenido puede tener un beneficio económico a través de la publicidad y de conseguir que nuevos clientes se acerquen a la plataforma. No son los únicos que coquetean con lo gratuito: el beneficio inmediato con tarifas más caras ha dejado de ser una prioridad.

Qué ha dicho. El 5 de agosto, durante la presentación de resultados del tercer trimestre fiscal de Disney, un analista preguntó a D'Amaro por la posibilidad de que la plataforma lanzara una cuota gratuita con publicidad. Éste dejó claro que Disney está explorando esta vía con el fin de llegar a "un segmento de clientes más sensible al precio". Objetivo declarado: acelerar ingresos publicitarios y multiplicar nuevas altas.

Un mes antes, Business Insider ya adelantaba la noticia a través de información facilitada por dos empleados anónimos: Disney se planteaba dar acceso abierto a parte del catálogo de Disney+, y en una reunión de la compañía con el responsable de producto y tecnología, Adam Smith, se empezó a hablar de las posibilidades técnicas, aún sin fecha. Disney+ se acercaría así a plataformas como Apple TV o Prime Video en España, o Paramount+ en Estados Unidos, donde algunos capítulos de series están abiertos a modo de muestra. La intención de Disney va más allá: dejar que parte de la plataforma sea de acceso gratuito como opción continua, más que en forma de pequeños caramelos para atrapar clientes.

La opción de Netflix. La plataforma más popular también escogió la entrevista trimestral con inversores de julio para comunicar sus planes. En ella, el co-consejero delegado Greg Peters admitió que "una oferta gratuita podría tener sentido en algunos mercados". Netflix, sin embargo, no ha ido más allá porque no quiere que un producto gratis reste suscriptores a los planes de pago, y necesita que el negocio publicitario ya esté en marcha en los países candidatos. Netflix ha tanteado aproximaciones a un plan gratuito: su exitoso plan barato con publicidad es la vía de entrada principal para nuevos suscriptores, ya que sus precios se han disparado en el resto de tarifas.

Por cierto, Netflix ha recuperado en España, desde el 9 de julio, la prueba gratuita para cuentas nuevas: entre 7 y 30 días sin coste, según el navegador, aplicables a cualquiera de los tres planes, y con cobro automático en cuanto termina el periodo. Pero no es un plan gratuito, sino una herramienta de captación que Netflix ya tenía testada desde su llegada a nuestro mercado (lo que abre otras dudas acerca de la rentabilidad del negocio, pero que dejamos para otro momento).

Por qué. Según contaba Nielsen el 28 de julio, el streaming alcanzó un 48,6 % del consumo total de televisión en Estados Unidos, su máximo histórico. YouTube lideró por tercer mes consecutivo con un 13,8 % de cuota. Mientras tanto, opciones gratuitas como Tubi o The Roku Channel (comprada por Fox en junio por unos 22.000 millones de dólares), sin ser mayoritarias, marcan cifras en torno al 2-3%, que sin duda es una porción jugosa del pastel, ya que llegan a más de 100 millones de hogares en todo el mundo. Youtube es, en ese sentido, un modelo a seguir por el streaming de pago: algunos analistas apuntan a que la marca de Google podría acabar disputándole a Disney terreno directamente en el negocio del entretenimiento, no solo en audiencia de televisión.

Los contras. No solo son los obvios (dar acceso a un catálogo de pago a cambio de publicidad), sino que las plataformas tienen que asumir que un plan gratuito puede generar problemas de imagen: una oferta así puede cambiar la percepción de un servicio premium si el catálogo de libre acceso es demasiado generoso. Por supuesto, puede que ciertos suscriptores encuentren suficientes los mínimos del catálogo gratuito y no se decidan a dar el salto al modelo de pago. Y cómo no, si Disney y Netflix compiten por la misma publicidad que YouTube, Tubi y Roku, la avalancha de oferta puede hundir los precios y perjudicar a todos. 

En Xataka | Mike K

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La noticia Netflix y Disney vuelven a coquetear con tarifas gratuitas para sus plataformas porque el dinero ya no está en las suscripciones fue publicada originalmente en Xataka por John Tones .

Pasan los años y 'Zodiac' sigue figurando como una de las mejores películas de todos los tiempos. Por ejemplo, en 2025 el New York Times publicó la votación de más de 500 cineastas, actores y críticos y acabó en el puesto 19 de las cien mejores películas del siglo. Ahora mismo la tienes en Netflix y en Filmin, y puedes comprobar por ti mismo si el mito está a la altura.

La película reconstruye el caso real del asesino del Zodiaco, que sembró el terror en la bahía de San Francisco entre 1968 y 1974 con cartas cifradas y cinco asesinatos confirmados por la policía. Fincher creció en esa misma zona durante los crímenes, así que marcó considerablemente su adolescencia. El FBI reiteró en 2023 que la identidad del asesino sigue sin confirmarse, pese a las teorías que en las últimas décadas han señalado a distintos sospechosos.

Fincher, fiel a su fama de exigir decenas de tomas por escena, rodó buena parte de la película en los escenarios reales de la bahía y reconstruyó los interiores de las redacciones y comisarías de la época. Se impuso además una única regla en el guion: no mostrar en pantalla ningún ataque que no hubiera tenido testigos o supervivientes, para no verse obligado a inventar lo que nadie había presenciado.

La película no persigue la revelación final de la identidad del asesino, sino retratar el papeleo, la mundanidad de la investigación policial y la miriada de pistas que no llevan a ningún sitio. Jake Gyllenhaal, Mark Ruffalo y Robert Downey Jr. interpretan a tres hombres que se dejan la vida en un caso que según avanza la película, son conscientes de que jamás van a cerrar. Es la misma mirada clínica que unos años después heredaría 'Mindhunter', la serie con la que el propio Fincher volvió a los asesinos en serie sin caer en la mitificación del género que ya estaba en marcha con la fiebre del true crime.

De hecho, 'Zodiac' es precisamente eso: el antídoto perfecto para tantas series y documentales que le dan todo mascado al espectador. Una película que se asoma a los abismos de la mente humana y, sin golpes de efecto ni necesidad de premiar con recompensas baratas, brinda el mejor retrato de la persecución de un asesino real. Tan lejos del true crime como de la copaganda, los dos grandes pecados del género, no tiene nada de extraño que esta película encabece una y otra vez las listas de lo mejor del siglo.

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La noticia Hoy en Netflix: está basada en una escalofriante historia real y entra continuamente en las listas de lo mejor del siglo XXI fue publicada originalmente en Xataka por John Tones .

En enero de 1997, Miramax pagó 3,15 millones de dólares por el derecho a rodar una secuela de uno de los mayores éxitos de la década, 'Desafío total'. Pasarían cinco años, tres guiones distintos y otros tantos rechazos de Arnold Schwarzenegger antes de que esa secuela, sencillamente, dejara de existir. Con ese nombre. Porque un guión gemelo, también inspirado en la obra del visionario Philip K. Dick, acabaría siendo dirigido por Steven Spielberg y protagonizado por Tom Cruise.

La primera. 'Desafío Total' llegó a los cines en junio de 1990. Dirigida por Paul Verhoeven y protagonizada por Arnold Schwarzenegger, recaudó 261,3 millones de dólares en todo el mundo sobre un presupuesto de solo 65. Su productora Carolco Pictures exigió una secuela casi de inmediato. El problema era cómo continuar la historia del protagonista, Douglas Quaid sin repetir el truco central de la película: la duda de si todo había sido un implante de memoria. 

El informe de la minoría. Ese era el título del relato de Philip K. Dick cuyos derechos compró a comienzos de los noventa Gary Goldman, coguionista de 'Desafío Total', con intención de dirigirlo él mismo como una modesta película de serie B. Pidió a Verhoeven que se sumara como productor ejecutivo y éste aceptó tras leer el relato. De hecho, le preguntó si aquello podía funcionar como secuela de 'Desafío Total'.

Pues sí. La idea encajaba mejor de lo que cabría esperar. 'Desafío total' ya insinuaba que los mutantes marcianos tenían poderes de clarividencia, así que convertirlos en los precogs del relato de Dick planteaba un curioso puente entre las dos historias (nada extraño en la obra de Dick: novelas como 'Ubik' o 'Un ojo en cielo' también habrían encajado como secuelas sin problemas). Goldman y Ron Shusett, que por contrato tenía derecho a escribir el primer borrador de cualquier secuela, firmaron el guion. 

Schwarzenegger estaba a bordo, Verhoeven iba a dirigir, y todo apuntaba a que sería la siguiente gran producción del actor que entonces dominaba la taquilla mundial. Según Verhoeven, su película difería mucho de lo que acabaría siendo 'Minority Report': "'Desafío total' gira en torno a la pregunta: ¿es esto un sueño o una realidad? 'Desafío total 2' preguntaría: ¿tu vida futura ya está definida y, si conoces ese futuro, puedes cambiarlo o no?. Obviamente hay elementos de 'Terminator' ahí. Un ángulo filosófico, pero probablemente a Spielberg le pareció demasiado complicado, porque luego optaría por la fórmula del thriller"

Una quiebra que viene mal. Carolco nunca llegó a rodar una secuela. El estudio, que ese mismo año había financiado también otro éxito, 'Stargate', se declaró en quiebra el 10 de noviembre de 1995, incapaz de sobreponerse al fracaso de 'La isla de las cabezas cortadas'. Por contrato, los derechos del relato y del primer borrador volvieron a los guionistas, que llevaron el material a 20th Century Fox. Allí, el director Jan de Bont ('Speed'), tras un tiempo intentando mantener su naturaleza de secuela, acabó transformándolo en un proyecto independiente, pero finalmente se estancó.

Una nueva 'Desafío total'. Goldman eliminó en un nuevo guión cualquier rastro de 'Desafío total': sin Quaid, sin Marte, sin Schwarzenegger. De forma paralela y completamente independiente, en enero de 1997 Dimension Films, la división de género de Miramax (suya fue, por ejemplo, la franquicia 'Scream'), pujó 3,15 millones de dólares por los derechos de secuela, precuela y remake de la propia 'Desafío Total', superando a Fox, que se retiró de la puja a los 500.000 dólares.

Sin el peso de 'Desafío Total', el relato llegó a Fox por otra vía, como proyecto independiente. Tom Cruise leyó una versión del guion, se lo hizo llegar a Spielberg, y se puso en marcha con un presupuesto entonces calculado en 80 millones de dólares. El rodaje se retrasó por proyectos de ambos, como 'Misión Imposible 2' o 'Inteligencia Artificial'. 'Minority Report' acabó estrenándose en 2002 y recaudó 358,4 millones de dólares a partir de un presupuesto de 102.

La 'Desafío total 2' que no fue. Mientras tanto, Dimension sí tenía una secuela de verdad entre manos. De nuevo Shusett y Goldman se pusieron manos a la obra para una 'Desafío total 2' oficial, con Schwarzenegger participando de cerca en el desarrollo y un caché en torno a los 20 millones de dólares. Precogs mutantes en un Marte ya independizado de la Tierra eran sus claves, pero Schwarzenegger lo tuvo estancado dos años en su agenda y acabó rechazándolo: lo encontraba demasiado complicado. (Curiosamente, en El sexto día, el actor dio vida a un hombre que descubre que ha sido clonado, "una secuela de Desafío Total con otro nombre" según Goldman).

Curiosamente, nunca hubo una 'Desafío total 2' y el remake que rubricó Sony no tenía ni Marte ni mutantes. Quien sí ha pasado a la posteridad es su guion gemelo, el de 'Minority Report', una película inagotable, sobre todo si seguimos las noticias: en 2020, la policía de Reino Unido probó un sistema real de predicción de delitos que la prensa comparó de inmediato con el sistema de Precrimen de la novela y la película. No hace falta ir a Marte para ver la cara más horrible del futuro.

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La adaptación de 'La Odisea' de Christopher Nolan está arrasando en taquilla, y se está elogiando y discutiendo desde múltiples frentes, como siempre que llega una nueva propuesta del diretor de 'Oppenheimer'. Una de las más interesantes procede de un estudioso de la Biblia que nos recuerda que la más precisa e influyente adaptación del texto de Homero existe desde hace siglos y se llama Nuevo Testamento.

La teoría. Dennis MacDonald, biblista semirretirado del Claremont School of Theology, lleva sosteniendo esta teoría desde hace tres décadas, lo bautizó como "mimesis crítica" en 1994, en el libro 'Christianizing Homer', que más adelante desarrolló en 2015, en 'Mythologizing Jesus: From Jewish Teacher to Epic Hero". En su obra sostiene la idea de que los autores de los libros de la Biblia de Marcos, Lucas y Hechos no es que plagiaran 'La Ilíada' y 'La Odisea', sino que las imitaron a propósito

Se trata de un recurso literario habitual en el Mediterráneo antiguo para dotar a un personaje de peso narrativo frente a otros ya célebres y constituidos. En una entrevista con CNN de la que proceden también las demás declaraciones de este texto, el autor afirma que los evangelistas querían inyectar a Jesús "con esteroides narrativos" para que compitiera con Aquiles, Ulises o Hermes y saliera vencedor: "Jesús es mejor, más listo y más compasivo".

Los paralelismos. MacDonald encuentra parecidos muy concretos entre 'La Odisea' y la Biblia. Por ejemplo, Ulises le dice al cíclope que se llama "nadie" y se disfraza de mendigo para no ser reconocido ni por su propia esposa. Por su parte Jesús, a lo largo de los evangelios, pide una y otra vez a quienes le rodean que no cuenten sus milagros ni revelen que es el Mesías. 

Más: en Hechos, Pablo naufraga camino a Roma y los habitantes de la isla lo confunden con un dios tras verlo sobrevivir a la mordedura de una víbora; en 'La Odisea', un Ulises recién naufragado provoca la misma duda en la princesa Nausícaa. Jesús duerme durante una tormenta en la barca igual que Ulises duerme en cubierta. Jesús camina sobre el agua como el dios Hermes la sobrevuela grácilmenteen la obra de Homero. Y en Marcos, una mujer unge a Jesús con aceite igual que una anciana unge a Ulises en el canto 19 de 'La Odisea'.

No son coincidencias. MacDonald exige que cada paralelismo supere seis filtros para esquivar la sospecha de simple coincidencia. Entre otros, que el autor cristiano pudiera acceder al texto homérico, que otros escritores de la época imitaran el mismo pasaje, que existan varios puntos de contacto entre los dos textos y no uno aislado, que aparezcan en un orden similar y que compartan detalles distintivos. Es una vara de medir exigente, pero lógica si tenemos en cuenta que la influencia del poema, del que seguimos hablando veinticinco siglos después, ya era muy conocido cuando se escribió la Biblia.

Robyn Faith Walsh, profesora de cristianismo primitivo en la Universidad de Miami, lo enuncia de otra forma: cualquiera que escribiera literatura en el mundo antiguo había leído a Homero, del mismo modo que hoy ningún autor puede huir de la influencia de Shakespeare aunque no lo haya leído nunca

No todo el gremio está de acuerdo. Margaret M. Mitchell, de la Universidad de Chicago, admite que Homero escribió el "libro de texto teológico" por excelencia del mundo grecorromano: los niños romanos lo memorizaban en la escuela, los esclavos lo recitaban en las fiestas de sus amos, sus pasajes inspiraban frescos decorativos... Pero eso no convierte el Nuevo Testamento en una reescritura suya. Otro biblista, Robert Rabel, acusa a MacDonald de "exceso analítico" y comparaciones "cogidas por los pelos", en línea con las teorías más extravagantes que ha generado 'La Odisea'.

Y para justificar todo ello hay un argumento de peso, según estos estudiosos de la Biblia: a Ulises, en el imaginario del cristianismo primitivo, se le veía sobre todo como un personaje astuto, cruel y embustero. A ningún autor de la época, en un libro como la Biblia, se le habría convenido vincular a un antihéroe como ese con el mismísimo hijo de Dios.

La respuesta de MacDonald. Este hijo de un predicador fundamentalista se defiende de los colegas que lo han vetado de congresos y que, según él, sufren de "homerofobia". Según McDonald, no tiene nada de malo defender la intervención humana y la inspiración no-divina en la escritura de la Biblia. De hecho, la idea de la revelación divina, según el estudioso, suele traer consigo arrogancia y la exigencia de que el texto sea aceptado sin ninguna crítica. Su colega Walsh afirma también que el hecho de que la Biblia lleve huellas humanas no tiene por qué debilitar la fe de nadie, y hasta puede acercarla más al lector.

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Gabriel García Márquez se pasó toda la vida rechazando cualquier intento de llevar su novela más reconocida, 'Cien años de soledad', a la pantalla. El veto se esfumó después de su muerte, cuando sus hijos, hoy productores ejecutivos de esta serie, decidieron ofrecérsela ellos mismos a Netflix. El resultado es una de las adaptaciones más fieles de un libro que se han visto recientemente, y sortea con bastante fortuna las indiscutibles dificultades de volver a contar una historia tan compleja como esta. Ahora nos llega la segunda tanda de episodios de la serie.

Rodrigo García Barcha resumió el problema principal de esta adaptación diciendo que en los libros de su padre hay poco diálogo, y cuando lo hay, es "muy poético, muy lapidario". Es decir, una forma muy distinta de expresarse a lo habitual en las series. Hace falta, dijo, "menos respeto y más interpretación". Pero ese equilibrio, en cualquier caso, lo consiguieron en la primera parte, estrenada en diciembre de 2024, que debutó con un 100% en Rotten Tomatoes.

La segunda tanda de episodios deja atrás la mítica fundación de Macondo para entrar en la compañía bananera, la masacre de sus trabajadores y la ruina de los Buendía, el tramo en el que en la novela los sucesos arrebatados por el realismo mágico se convierten en historia política. "Cada episodio de esta segunda parte es como una película", ha dicho Mora.

'Cien años de soledad' ha sido continuamente incluida en las listas de las mejores novelas de la literatura universal. Por ejemplo, en esta selección de 2002 a la que, por cierto, al propio García Márquez se le invitó a votar (aunque declinó hacerlo). También podemos encontrar la novela presente en listas como la de los 100 libros del siglo del diario francés Le Monde o en las 100 mejores novelas en español de El Mundo.

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En 'El imperio contraataca', Yoda confiesa a Obi-Wan Kenobi que "hay otra" esperanza para la Alianza, y el espectador de hoy da por hecho que habla de Leia. Pero esa otra esperanza tenía un nombre muy distinto en el guión: Nellith. No era una princesa, y su historia se escribió año y medio antes de que nadie en Lucasfilm se hubiera planteado que Leia y Luke compartían lazos familiares.

¿Nellith? En el borrador que Leigh Brackett entregó el 17 de febrero de 1978 para lo que entonces se llamaba simplemente 'Star Wars sequel', el fantasma del padre de Luke le pregunta en Dagobah si su tío le habló alguna vez de Nellith, "tu hermana". Skywalker padre (así, sin nombre de pila, porque Vader y Anakin son todavía dos personajes distintos en ese guion) explica que la envió lejos para protegerla. Nellith no vuelve a aparecer en las doscientas páginas del borrador, y estaba previsto que llegara en una película que, finalmente, no se rodó.

Gary Kurtz, productor de 'Star Wars' y 'El imperio contraataca', detalló en una entrevista el plan que él y Lucas manejaban a finales de los setenta: nueve películas repartidas en tres trilogías, con Leia coronada reina de su pueblo al final de 'El retorno del Jedi' y Luke alejándose en soledad, sin más familia que supiéramos que su padre. La hermana, la tal Nellith, "no iba a aparecer hasta el siguiente episodio". Pero esa película que debía llegar dos décadas después según la cronología que barajaba Lucas, se canceló cuando el desgaste de rodar 'El Imperio contraataca' le quitó las ganas de embarcarse en dos trilogías más. Nellith se quedó en el limbo.

Que se besen. Mientras ese plan seguía en pie, la historia oficial discurría en otra dirección: un romance entre Luke y Leia. Alan Dean Foster, que había escrito la novelización de la primera película, firmó en 1978 'El ojo de la mente', primera novela derivada de la saga, ambientada en el planeta pantanoso de Mimban y protagonizada en solitario por Luke y Leia, sin Han Solo. La atracción entre ambos ocupa buena parte del libro. Años después, preguntado por si algo del guion original de la trilogía apuntaba al parentesco, Foster: "no había nada que indicara que fueran hermanos".

Como sabemos, varios momentos de las dos primeras películas (el beso antes de saltar el abismo en la Estrella de la Muerte, el de 'El Imperio Contraataca' delante de Han Solo) sugerían que había una historia de amor en ciernes. 'Los últimos Jedi' incluso bromea con esa incomodidad retrospectiva cuando Luke se despide de "la hermana de la que una vez se enamoró". 'El ojo de la mente' quedaría más tarde relegado a ser material no canónico, uno de los muchos que quedó como un callejón sin salida cuando Disney reordenó el universo expandido.

Llega el cambio. En 'El retorno del Jedi' se formalizó la auténtica relación entre Leia y Luke, que respondía a un problema de mecánica dramática muy concreto. Según relató el propio Lucas, al plantear el duelo final entre Luke y Vader el guion carecía del detonante que explicara por qué Luke pierde el control y ataca a su padre con la intención de matarlo. "Es un problema", decía, pero convitiendo a Luke y Leia en hermanos, la amenaza de Vader de tentar a Leia hacia el lado oscuro le daba a Luke ese motivo. Eso sí, por el camino perdimos a un personaje llamado Nellith.

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La noticia "Es un problema": Luke y Leia se convirtieron en hermanos porque 'Star Wars' tenía un agujero de guión insalvable fue publicada originalmente en Xataka por John Tones .

En 1980, un contrato de televisión impidió a Tom Selleck convertirse en Indiana Jones, y el papel acabó en manos de Harrison Ford. Doce años después, con Ford ya convertido en una estrella, sucedió justo lo contrario: el actor no reconoció la suerte que había tenido en el despegue de su carrera, y por eso no vio venir que la misma pirámide de casualidades y oportunidades perdidas que lo lanzó a la fama una década antes podía repetirse, pero en su contra.

Esta vez, paleontólogo. Steven Spielberg quería a Harrison Ford para el papel del paleontólogo Alan Grant en 'Jurassic Park'. Encargó a su departamento de arte una imagen fotorrealista de un tiranosaurio persiguiendo a dos niños, con el rostro de Ford superpuesto al rostro del personaje, y se lo mandó junto al guion y la novela de Michael Crichton. Al día siguiente sonó el teléfono. "Esto no es para mí, colega", le dijo Ford, y colgó. 

Indiana Selleck. Lo curioso es que Ford podía haber previsto lo que pasaría después, porque él estuvo en el otro lado de la historia. En 1980, Spielberg y George Lucas querían a Tom Selleck para Indiana Jones. Selleck hizo la prueba, les gustó y le ofrecieron el papel, pero acababa de firmar el piloto de 'Magnum P.I.' con la CBS. Después de un mes, la cadena acabó negándose a liberarlo para rodar 'En busca del arca perdida'. La renuncia de Selleck no le sirvió de mucho a corto plazo: la huelga de actores de 1980 retrasó igualmente el arranque de 'Magnum'.

El papel de Indiana Jones pasó entonces a Ford, a quien Spielberg conocía por 'American Graffiti' y el personaje de Han Solo. El director recuerda que le comentó a Lucas: "¿Y ese tipo que hace de Han Solo?". Lucas dudó porque Ford ya era, precisamente, Han Solo. Meses antes de que se estrenara 'En busca del arca perdida', los productores de 'Blade Runner' ni siquiera habían oído hablar de Ford, pese a que ya había hecho 'Star Wars'.

Es para Neill. Y como pasó con Indiana Jones y Harrison Ford, cuando en 1992, Spielberg repitió la jugada, el papel acabó definiendo la carrera de un tercero. Spielberg se lo ofreció a William Hurt, a Tim Robbins, y consideró a Kurt Russell y a Richard Dreyfuss, aunque tuvo que descartarlos finalmente por su caché. El papel acabó en manos de Sam Neill, que empezó a rodar apenas unas semanas después de ser fichado. La diferencia con el episodio de Selleck, lo que lo hace aún más irónico, es que Ford no tenía ningún contrato que le impidiera aparecer en 'Jurassic Park'. Simplemente, quería alejarse de las persecuciones y la acción y virar hacia papeles más adultos. Ese mismo año, de hecho había protagonizado 'Frenético' y, antes, 'Único testigo'.

Caminos distintos. Ford no se quedó de brazos cruzados: en 1993 protagonizó 'El fugitivo', todo un éxito que terminó tercero en la taquilla anual de Estados Unidos, justo detrás de 'Mrs. Doubtfire' y, vaya, 'Jurassic Park'. Ésta fue un arrollador número uno en todo el mundo, convirtiéndose en la película más taquillera de la historia hasta la llegada de 'Titanic' en 1997, y rebasando la marca del propio Spielberg con 'ET el extraterrestre'.

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La noticia "No es para mí, colega": hace 33 años, Harrison Ford dijo "no" a uno de los mayores taquillazos de todos los tiempos fue publicada originalmente en Xataka por John Tones .

Dos millones de dólares por tres cartuchos de Game Boy. La cifra llama la atención por sí sola, pero no solo por la cantidad de ceros: es ya la tercera vez en apenas nueve semanas que el coleccionismo ligado a Nintendo pulveriza su propio techo, y ninguna de las tres veces ha sido en una subasta pública al uso. Ocurre además en un contexto muy específico: Sony acaba de poner fecha de caducidad a los juegos físicos y Japón se plantea regular las cartas de Pokémon como si fueran un activo financiero.

La puja. Nathan Howerton, fundador de Nostalgix, la agencia que ha mediado en la operación, detalla que estas primeras ediciones de 'Pokémon Azul', 'Pokémon Rojo' y 'Pokémon Amarillo: Edición Especial Pikachu' conservan el precinto de fábrica. La PSA (agencia estadounidense que certifica la autenticidad y el estado de conservación de cartas coleccionables y videojuegos, asignándoles una nota del 1 al 10) les ha dado las notas más altas jamás vistas en este trío: 9,8 para 'Azul' y un 10 perfecto tanto para 'Rojo' como para 'Amarillo'. 

Howerton insiste en que este tipo de copias son "piezas irremplazables de la historia del videojuego". En la misma entrevista, la agencia recuerda que un 10 en un cartucho es una rareza: los procesos de fabricación por inyección dejan casi siempre alguna marca, así que la ausencia total de defectos es lo que dispara el precio.

Qué es Nostalgix. Esta empresa no funciona como una casa de subastas convencional. Es una correduría privada que, según su propio comunicado de resultados, ha superado los 10 millones de dólares en operaciones en solo cuatro meses de actividad, apoyada en herramientas propias de análisis de datos para seguir la evolución de precios, y conectando directamente a compradores y vendedores sin puja pública de por medio. 

El anonimato, por delante. Ese modelo es precisamente lo que permite que apenas haya datos sobre el comprador. Sabemos que son dos particulares anónimos que han bautizado su adquisición como The Dubai Collection. Se ha relacionado ese nombre con una colección pública de arte contemporáneo radicada en los Emiratos, pero Nostalgix sostiene que se trata de individuos, no de una entidad.

El pódium. Esos 2 millones de precio dejan esta venta en un segundo lugar histórico. Por delante solo tiene un cartucho precintado de 'Super Mario Bros.' de 1985 que el 12 de junio se subastó por 3 millones de dólares. Es una copia de la segunda tirada de fabricación, con el sello brillante que Nintendo usó solo unos meses antes de pasar al plástico termorretráctil, acompañada de una consola NES sin abrir. Aquella cifra ya multiplicaba casi por dos la que en 2021 convirtió una copia de Super Mario 64 en el videojuego más caro jamás vendido.

Entre ambos hitos se coló un tercero: en julio, el coleccionista Jason Ganos relató en julio el hallazgo de 97 cartuchos nunca distribuidos de 'Super Mario Bros. / Duck Hunt' en el almacén de una tienda de Wisconsin, enviados desde fábrica en diciembre de 1995 sin motivo claro. La teoría de Ganos es que se trata de un lote de repuestos para reparaciones en garantía que nunca llegó a usarse. El desglose de las notas roza lo absurdo en un juego tan común: 60 unidades con 9,8, 31 con 9,6, una con 9,4 y cinco con la primera nota 10 que PSA ha concedido nunca a un cartucho de NES. Tres de esas unidades saldrán a subasta el 12 de agosto, y el resto el 9 de septiembre.

Y encima, Pokémon. A todas estas cifras de Nintendo se suma que 2026 es además el 30º aniversario de Pokémon, y la franquicia vive un momento de gloria en su otro gran mercado de coleccionismo: las cartas coleccionables. En febrero, Logan Paul vendió su Pikachu Illustrator (la carta coleccionable más rara y cara del mundo) con nota PSA 10 por 16,49 millones de dólares. Un récord que ya se veía venir desde 2023 cuando otro ejemplar salió a la venta por un millón de euros. En abril hizo su aparición la Jolina Gisèle Collection, colección suiza de más de 60.000 cartas con más de 12.000 de ellas certificadas por PSA, presentada en su propia web, y que ha generado tanta atención como suspicacia entre coleccionistas veteranos.

Un contexto muy complejo. Eso sí, hay que matizar la lectura triunfalista de Howerton, que enmarca la venta en la decisión de Sony de dejar de fabricar discos físicos para PlayStation a partir de enero de 2028 como prueba de que el coleccionismo valora cada vez más lo tangible: en 2021 hablábamos de las sospechas de que Heritage Auctions y la tasadora Wata Games hubieran inflado precios de este mismo tipo de cartuchos mediante compras entre partes vinculadas a las propias empresas. El físico se extingue en el mercado de consumo justo cuando alcanza cifras propias de subasta de obras de arte entre coleccionistas. Muy conveniente.

Y los gobiernos ya toman medidas: el Partido Liberal Democrático de Japón estudia la regulación del mercado de cartas coleccionables, después de que este creciera un 90% hasta los 2.100 millones de dólares en cuatro años. El grupo, preocupado por el blanqueo de capitales y las falsificaciones, advierte que "las cartas coleccionables ya no son simples productos de consumo". De hecho, algunas tiendas del país ya ponen exámenes sobre el universo Pokémon para frenar a los revendedores, y a la vez, jóvenes millonarios ya usan estas cartas como activo de inversión, al margen de la bolsa, para buscar rentabilidad.

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La noticia El formato físico está muriendo. Por eso hay gente pagando 2 millones de dólares por tres cartuchos de Pokémon fue publicada originalmente en Xataka por John Tones .

Este viernes Netflix estrena de un tirón los seis episodios de la cuarta temporada de 'Muertos S.L.', y después la funeraria Torregrosa apaga las luces del tanatorio para siempre. El anuncio llegó a finales de mayo, por sorpresa: tendríamos nueva temporada y sería la última, y con ella recuperamos la tradición del humor negrísimo y cruel, netamente español y que Carlos Areces borda como nadie.

La serie nació en Movistar Plus+ en abril de 2024, firmada por Laura y Alberto Caballero, hermanos creadores de 'La que se avecina' y 'Aquí no hay quien viva'. Con la tercera temporada, en agosto de 2025, Netflix se quedó con los derechos, y ahora la cierra apenas un año después. Es la tercera producción ligada a los Caballero que echa el cierre este 2026: antes cayeron 'Por el amor de Dios', cancelada sin llegar a rodarse, y 'Machos Alfa', que acaba tras su sexta temporada.

En cualquier caso, 'Muertos S.L.' es una joyita cuyos secretos se desvelan desde el propio título: la funeraria Torregrosa es una empresa más, con su junta directiva y sus luchas de poder, pero aplicada a un tanatorio. Areces es Dámaso, que lleva toda la serie ambicionando el despacho de director, rodeado de una plantilla donde se suceden ascensos, sabotajes y jefes inútiles.

Y es así como arranca la cuarta temporada: Chemi, hijo de la directora (que a su vez ha heredado el puesto de su difunto marido, sin el menor interés en el mundo empresarial), cree que puede aplicar la filosofía de Steve Jobs al negocio funerario. Ocupa momentáneamente el sillón de mando mientras en la sombra se gesta una batalla por la auténtica sucesión al más puro estilo Iznogud. Costumbrismo, humor macabro y un reparto excelente en una serie que se puede devorar prácticamente de una sentada.

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La noticia Hoy vuelve a Netflix una de sus mejores series españolas con una última temporada que es una maravilla de humor negrísimo fue publicada originalmente en Xataka por John Tones .

Se dice que el terror de bajo presupuesto es la mina de oro del cine actual gracias a películas como 'Backrooms' o 'Obsession': poca inversión, rápida amortización, sin necesidad de grandes estrellas a bordo... Sin embargo, y pese a la taquilla del verano, no es una regla escrita en piedra: Eli Roth, en otro momento cachorro del horror más crudo y rentable en taquilla gracias a películas como las dos 'Hostel', se ha encontrado con un batacazo crítico y de público con su nueva película, 'Ice Cream Man'. Y la, al parecer, bajísima calidad de la película es solo uno de los motivos del pinchazo.

La película. 'Ice Cream Man' se estrena este 7 de agosto en EE.UU. (a España llegará el 4 de septiembre con el título 'Dulce sabor a muerte), y tiene un escasísimo 32% en Rotten Tomatoes sobre 57 críticas registradas hasta hoy. La cifra por sí sola no distinguiría a la película de tantos otros estrenos de terror maltratados por la prensa especializada, pero esta también se ha ganado furibundas críticas desde redes sociales. Los motivos son principalmente dos: el uso descarado de IA en la película y la actitud pro-Israel extremadamente agresiva del director en los últimos meses.

Esa IA mala. Una de las ideas que más llamó la atención de la película antes del estreno fue una secuencia animada al estilo años treinta y que resumía la idea nuclear de la película: un heladero que hipnotiza a los niños de un pueblo y los convierte en asesinos. Roth dijo en su momento que la había creado él mismo junto a un equipo de animadores, evocando el aire de los viejos cortos de Mickey Mouse, especialmente uno en el que entra en una casa encantada (se refería al mítico 'The Haunted House' de 1929). Días después, se detectó que en los créditos de la película figuraba el nombre del estudio especializado en IA Dark Half, y Roth tuvo que corregirse: "Me expresé mal. Se usó IA en una porción muy pequeña de algunas escenas de la película".

Otro caso reciente. Hace dos meses, por ejemplo, el director de la comedia drag 'Stop! That! Train!", Adam Shankman, había jurado en Instagram que no había "ni un solo plano de la película concebido con IA". Sin embargo, había señales de justo lo contrario: una artista de efectos visuales, Gloria Cook, señaló las inconsistencias en el número de ventanas del tren protagonista. Shankman admitió después que algunas de esas ventanas sí se generaron con inteligencia artificial. En ambos casos el desmentido llegó incluso antes de que alguien reparase en los créditos, que es donde suele aparecer el nombre de estudios que delatan el uso de IA, como Dark Half o Acme AI & FX. 

Una constante. Comienza a ser habitual el ciclo que arranca de esta forma: un director de una película de de bajo presupuesto jura que no se ha usado IA en la realización de la película, algo normal ya que si algo buscan los fans de las películas más pequeñas y ajenas a los grandes estudios es cierto mimo artesanal en cada plano. Sin embargo, parece que cuanto más agresivamente se enuncia la excusa, más posibilidades hay de que se esté mintiendo al público. Estudios y productoras evitan anunciar el uso de IA hasta que ya no pueden ocultarlo: A24 lo vivió con los efectos de 'Todo a la vez en todas partes' y los carteles de 'Civil War', y una sala londinense canceló el estreno de una película con guion generado por IA tras recibir 200 quejas del público. 

Más allá de que se repita a grandes rasgos el patrón de negar, ser descubierto y matizar, hay un claro conflicto de intereses sobre la mesa: los estudios quieren abaratar costes con e uso de IA. El público no quiere que se use por cuestiones éticas y porque, francamente, los resultados suelen ser visualmente muy flojos. Posturas irreconciliables que conducen a estos vaivenes de declaraciones y desmentidos. 

Lo de Israel. Hay otro motivo para que 'Ice Cream Man' esté recibiendo críticas tan negativas: Roth es, desde 2023, una de las voces más visibles de Hollywood en defensa de Israel durante la guerra en Gaza. Firmó, junto a guionistas como Jerry Seinfeld o Amy Sherman-Palladino, una carta abierta que acusaba al Sindicato de Guionistas de América de guardar silencio tras los ataques de Hamás. Meses más tarde firmó un comunicado de más de 1.200 creativos judíos que rechazaban el discurso de los Oscar de Jonathan Glazer sobre Gaza. En junio de 2025, capturas de sus historias de Instagram mostraban comentarios como "que se la coman los caníbales" acerca de la activista Greta Thunberg, detenida por las fuerzas israelíes cuando intentaba llevar ayuda humanitaria a la Franja.

Un tema espinoso. Dejando aparte el tema de Israel (nada baladí, por otra parte: Roth ha sido muy vocal y agresivo con el tema, y muchas de las críticas que han arreciado en redes sociales se han centrado en esa cuestión más que en la IA o en otras cuestiones de crítica más tradicional sobre la película, como el uso de temas impactantes -transtornos alimentarios, pedofilia y otros- sin demasiada justificación), lo cierto es que la IA se está convirtiendo en un curioso caballo de batalla en Hollywood. Podemos ir al extremo contrario: Guillermo del Toro ha convertido el rechazo a la IA generativa en una seña de identidad pública, llegando a decir que "preferiría morir" antes que usarla. 

Lo curioso es que Roth acaba de fundar The Horror Section, un sello independiente con el que busca librarse de la interferencia de los estudios grandes tras el fiasco de 'Borderlands'. Ahora todo el peso (negativo o positivo) de la confianza del público recae sobre él. Roth no ha precisado qué escenas exactas de la película usan IA generativa, ni si la secuencia animada está entre ellas: lo único que han dicho los primeros críticos es que la IA abunda en 'Ice Cream Man' y no es precisamente discreta. ¿Razón más que suficiente para defenestrar un estreno? En cualquier caso, una reacción del público acerca de la IA de la que los creadores de Hollywood deberían tomar nota.

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En 2011, en el Festival de Sundance que él mismo había fundado, alguien le preguntó a Robert Redford por los rumores de una secuela de 'El candidato' (que puedes ver en Movistar+). Contestó que la película ya había dado lo que tenía que dar en su momento: "Hay algunas películas que es mejor no rehacer". Y no se quedó ahí: tenía la misma respuesta para dos clásicos más de su filmografía, 'Dos hombres y un destino' y 'Tal como éramos': películas, dijo, que era mejor dejar tranquilas.

'El candidato' es de 1972, la dirigió Michael Ritchie y con ella, Jeremy Larner ganó el Oscar al mejor guion original por retratar a un abogado idealista, Bill McKay, que acepta presentarse al Senado sabiendo que va a perder, lo que le permite hablar sin filtros. Por supuesto, gracias precisamente a eso termina ganando, aunque a costa de que su equipo le vaya limando las aristas, con discursos más breves y respuestas más ensayadas.

Redford, que también la produjo, pensaba en ella como la segunda entrega de una trilogía sobre lo que él mismo llamaba "las historias que hay debajo de las historias", que había arrancado con 'El descenso de la muerte'. La tercera entrega nunca se rodó, pero ésta quedó como su película política más relevante, más incluso que 'Todos los hombres del presidente'.

De hecho, el propio Redford trabajó en una continuación, escrita por él mismo: junto al director Rod Lurie, con quien trabajó en 'La última fortaleza', ya en el siglo XXI, desarrolló una historia de McKay convertido en expresidente, aconsejando a un nuevo candidato que habría interpretado Denzel Washington o George Clooney. El proyecto llegó a un borrador final y no pasó de ahí. 

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Durante su primera hora, 'Spider-Man: Brand New Day' hace lo que muchos fans querían, y eso es lo que les ha entusiasmado de esta estupenda nueva entrega: un Peter Parker en solitario, sin multiversos ni amenazas cósmicas, lidiando con problemas casi domésticos, haciendo honor a su apelativo de "Amistoso vecino". Pero después llega el resto de la película, donde se pone la capa de los superhéroes Marvel (por mucho que ahora él sea el superhéroe Marvel más fiable en taquilla). Una capa metafórica que, por cierto, también tiene mucho que ver con la defunción definitiva de la nueva versión de 'Blade'.

Lo que ha pasado. 'Spider-Man: Brand New Day' está batiendo records de taquilla (el más llamativo, mayor apertura doméstica de la historia por delante de 'Endgame'). Sin embargo, el éxito viene teñido de cierta amargura. Solo cuatro días después del estreno, Mahershala Ali confirmaba en una entrevista con GQ que su 'Blade' no se va a rodar. "Me tenían bajo contrato, tienen miles de millones de dólares. Si hubieran querido hacer la película, la habríamos hecho". Dos fenómenos que tienen la misma raíz. 

Un pequeño Spidey. 'Brand New Day' arranca donde lo dejó la anterior entrega de Tom Holland, y en ese sentido es pura continuidad Marvel: un hechizo de Doctor Strange en 'No Way Home' borró a Peter Parker de la memoria de todo el mundo, así que al principio de la nueva película lleva cuatro años protegiendo Nueva York en solitario, distanciado de MJ y de Ned. Tenemos aquí al mejor Spider-Man, sobre todo si el espectador es también lector de los cómics originales: un héroe pegado al asfalto, con problemas relativamente mundanos, sin conflictos cósmicos.

Sin embargo, pronto empiezan los cameos de The Punisher, la irrupción de Hulk y la necesidad de encajar el argumento y los nuevos personajes en próximos estrenos de Marvel. Unos elementos funcionan mejor que otros: la química con el Castigador es excelente (con sorpresa: la del Castigador con MJ es aún más divertida) y la pelea con Hulk recuerda al mejor espíritiu de los 'Team-Ups' de los cómics. Más floja es, sin embargo, la presencia de Sadie Sink y su identidad como un personaje quizás muy relevante en el futuro de Marvel: aunque funciona a nivel narrativo, de nuevo nos encontramos con una película-teaser de futuras atracciones, y la molesta sensación de que no vemos el capítulo final de algo. 

Podría ser peor. Concretamente, podría ser 'No Way Home', un espeluznante desfile de villanos y héroes de multiversos anteriores de Spider-Man que delataba el cansancio no solo del Spider-Man inmerso en el MCU, sino de la propia idea de los multiversos, que hasta la fecha solo nos ha dado una película en condiciones: 'Doctor Strange en el multiverso de la locura'. Cuando Scorsese llamaba a las películas de Marvel "parques temáticos", es decir, un producto diseñado para encajar piezas procedentes de múltiples sitios antes que para sostener una historia propia, estaba pensando en dislates como 'No Way Home' o, como nos tememos, será la próxima 'Vengadores: Doomsday'.

Un cazavampiros maldito. El problema de 'Blade' partía de la misma raíz. Mahershala Ali fue anunciado como el nuevo Eric Brooks en la Comic-Con de San Diego de 2019. El director original, Bassam Tariq, abandonó el proyecto en 2022, su sucesor Yann Demange también acabó saliendo, el guion pasó por al menos seis manos distintas y la huelga de guionistas de 2023 añadió otro año de parón. Kevin Feige explicó el supuesto motivo: querían que Blade fuera "insanamente genial", y nunca sintieron que el guion alcanzara ese nivel. Marvel, una vez más, acababa devorada por esa necesidad de buscar siempre el más difícil todavía, cuando lo único que necesitaban era macarrismo, kung fu y vampiros.

La dependencia de la nostalgia y de los cruces entre franquicias es la gran maldición de Marvel, y su perniciosa influencia se demuestra perfectamente tanto en lo bien que funciona esa primera hora de 'Brand New Day' libre de presiones como en la cancelación de 'Blade'. Ya no caben historias pequeñas en el MCU, pero sí una curiosa anécdota irónica, también referente a la muerte del cazavampiros afroamericano.

Mahershala Ali ha acabado rodando con el director original de 'Blade' 'Your Mother Your Mother Your Mother', un thriller para el que ha aprovechado el año de entrenamiento con espada que había invertido en Marvel. Es decir: la película sencilla y con carácter propio que Marvel no conseguía que viera la luz ha acabado viendo la luz sin superhéroes de por medio. Marvel, mientras tanto, recupera a un puñado de actores ya olvidados para que los fans aplaudan a sus viejos X-Men.

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Nicolas Cage ha interpretado a un yuppie convertido en vampiro, a un ángel que renuncia a la eternidad por amor y a una versión arruinada de sí mismo que se ve obligado a actuar en el cumpleaños de un fan millonario. Además de a los mismísimos Ghost Rider o Drácula. Entre otros disparates. Le faltaba, en una filmografía descomunal, protagonizar una película que, técnicamente, no existe.

Los hechos. El 15 de junio de 2026, un productor entregó en mano una copia maestra sin encriptar de 'Fortitude' en las oficinas de Netflix en Hollywood. Diez días después, la compañía reconoció que se la habían robado de encima de una mesa. Netflix se enfrenta ahora a una demanda de al menos 105 millones de dólares. Simon Afram, productor y guionista suizo, invirtió más de 45 millones de dólares de su propio bolsillo y siete años para poner en pie el proyecto.

De qué va. La cinta recrea la Operación Fortitude, el engaño aliado que desvió la atención nazi del punto real del desembarco de Normandía, con Cage como el espía Dusko Popov junto a Ben Kingsley, Ron Perlman, Michael Sheen y Alice Eve, y ha sido rodada en 35 milímetros para imitar la textura de la época. Nadie aparte del equipo de producción la había visto todavía.

Rocambolismo. Netflix descubrió el proyecto en diciembre de 2025, cuando la productora ejecutiva de la película contactó por correo con un gestor de la plataforma y adjuntó un tráiler promocional del proyecto. En junio de 2026, el fundador de la consultora de tests de audiencias Screen Engine/ASI volvió a hablar de ella a Sean Berney, director de cine original de Netflix, recalcó que ni siquiera las agencias la habían visto y que los derechos mundiales seguían disponibles. Ese mismo día, Netflix se mostró interesada y pidió una copia para revisarla un día muy concreto: el 16 de junio. 

Sus instrucciones solicitaban que, si la copia llegaba codificada, las claves permanecieran abiertas desde la entrega hasta el final de ese día, con el fin de poder testear el contenido con margen suficiente. El productor asociado de 'Fortitude', Daniel Haido, llevó el disco en persona el 15 de junio, avisó verbalmente y por escrito de que el archivo no estaba cifrado y pidió que se borrara después del pase.

Después del desastre. Haido reclamó la devolución del disco varias veces: el 17, el 18, el 24 y el 25 de junio. Netflix pospuso la recogida con la excusa del festivo del Día de la Liberación y dejó sin respuesta la petición de recuperarlo en fin de semana. El 25 de junio, tras una llamada de 45 segundos en la que un empleado le prometió respuesta en menos de una hora, Haido volvió a escribir a la plataforma. 

Dos horas después, Berney al fin contestó con un mail con el asunto "DCP robado". "Esto es una novedad para nosotros", escribió, antes de reconocer que varios discos habían desaparecido de los escritorios de la oficina esa misma semana. El directivo ofreció generar una nueva copia o devolver el coste del disco físico, dos gestos que, según los demandantes, no compensan la pérdida de una película inédita.  

Qué va a hacer Netflix. La compañía se lava las manos: rechaza asumir la responsabilidad de la pérdida y sostiene que la película se entregó sin las garantías de seguridad habituales en la industria. Además, sostiene que ha abierto una investigación sobre el robo y se ha ofrecido a vigilar sitios donde se intercambian copias no autorizadas de archivos.

Las consecuencias. El argumento central de la demanda no es el valor del disco, sino su exclusividad. La productora sostiene que los tests con público arrojaron resultados comparables al de películas de espionaje histórico tan apreciadas como 'Argo' o 'El código Enigma', y se calculaban beneficios de unos 112,5 millones de dólares, en torno a 2,5 veces el presupuesto en base a esos tests. Desde el robo, los productores han pausado la comercialización, porque comienza a haber reticencias a comprar los derechos de una película que puede filtrarse a internet en cualquier momento.

Películas perdidas. La industria lleva perdiendo películas desde que existe el cine, aunque nunca de forma tan llamativa. Según un estudio de la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos, solo el 14% de las cerca de 11.000 películas mudas rodadas en el país entre 1912 y 1929 se conserva en su formato original, y un 70% del total se da por perdido sin remedio: el nitrato se degradaba y los propios estudios destruían las copias para no financiar su almacenaje. Aunque el caso de 'Fortitude' tiene poco que ver con nitrato o con ahorro de costos de almacenaje.

Más cerca en el tiempo y más parecido en los detalles está el caso de 'Los mercenarios 3': tres semanas antes de su estreno en 2014, una copia filtrada circuló por redes de descarga. Por entonces se achaco a esa filtración la responsabilidad de una recaudación muy por debajo de lo esperado, apoyándose en estudios que por entonces cifraban el impacto de las copias no autorizadas previas al estreno en torno a una quinta parte de la recaudación potencial. Netflix, además, conoce el problema de cerca: en 2017 tuvo que lidiar con un grupo de hackers que filtró los primeros diez episodios de la quinta temporada de 'Orange is the New Black' tras un intento de extorsión fallido.

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Que Netflix se gaste una fortuna en licenciar 'The Walking Dead' no es ninguna sorpresa: ahora mismo su catálogo se nutre tanto de novedades y superproducciones de reciente cuño como de semiclásicos de la televisión. No significa, para nada, que esté claudicando de su trono como principal plataforma de streaming. Es que sabe que el título se revalida con novedades atractivas pero también con series que todo el mundo adora.

La chicha. AMC Global Media ha anunciado junto a sus resultados del segundo trimestre que ha vendido a Netflix los derechos de streaming co-exclusivos de todo el universo de 'The Walking Dead': siete series, 371 episodios en total, por un total de 500 millones de dólares. El acuerdo cubre la serie 'The Walking Dead' original y sus seis spin-offs: 'Fear the Walking Dead', 'Daryl Dixon', 'Dead City', 'The Ones Who Live', 'World Beyond' y 'Tales of the Walking Dead'.

Lo curioso es que ni siquiera es una gran novedad para Netflix. La serie original, de 2010, suma 11 temporadas y 177 episodios, y Netflix la tiene en catálogo casi desde su estreno. En Estados Unidos, por ejemplo, desde 2011. Y en España está disponible también entera (además de en otras como Prime Video, Disney+, HBO Max, Movistar Plus y, por supuesto, AMC+). Netflix pagará por la franquicia unos 25 millones de dólares en lo que queda de 2026, unos 100 millones al año entre 2027 y 2030, y liquidará el resto en 2031, cuando expire la licencia y los derechos vuelvan a manos de AMC. 

La letra pequeña. Según confirmó la propia AMC, AMC+ mantendrá en exclusiva cualquier temporada o spin-off nuevo antes de que llegue a Netflix, y también aclaró que el mercado español entra en el acuerdo pese a que el comunicado original solo mencionaba Reino Unido, Italia, Australia y Nueva Zelanda. No es la primera vez que ambas empresas hacen tratos de licencias: Netflix y AMC ya compartían un acuerdo de distribución para otros programas de la plataforma. Como ya comentamos en su momento, la guerra del streaming lleva tiempo apagándose a medida que el contenido ajeno deja de ser tabú.

No todos los números buenos. Mientras se negociaba este contrato, el negocio de licencias de AMC atravesaba uno de sus peores trimestres recientes. Los ingresos por licencia de contenido cayeron un 34%, hasta 56 millones de dólares, por el calendario de entregas del periodo, y el beneficio operativo ajustado de la división doméstica se desplomó un 52%, hasta 61 millones, de acuerdo con su propio informe. Los ingresos totales bajaron un 9%, hasta 547 millones.

Lo único que sube con fuerza en ese mismo informe es el streaming propio de la casa: 180 millones de dólares de beneficios, un 6% más que el año anterior, ya por encima de un tercio de los ingresos domésticos de la compañía. Estos pagos escalonados de Netflix por 'The Walking Dead' también vienen muy bien a la compañía: retener la serie entera en AMC+ unos meses antes de cederla a Netflix también sirve para inflar las propias cifras de streaming de la casa antes de soltar la gallina de los huevos de oro. 

Comprar series old school. Netflix no compra 'The Walking Dead' por comprar. Por ejemplo, en mayo, Nielsen atribuyó parte del crecimiento mensual de la plataforma a 'La Brea', una serie ajena (eso en Estados Unidos, aquí siempre se ha visto en HBO Max) que sumó más de 4.000 millones de minutos de visionado ese mes, por delante de buena parte del catálogo original de Netflix. Para detectar precedentes del fenómeno nos podemos remontar a 2023, cuando 'Suits' se convirtió en la serie más vista de la plataforma sin apenas publicidad por delante de estrenos como 'One Piece'. Lo hemos visto también con 'Breaking Bad', 'Sexo en Nueva York' (y la propia 'The Walking Dead'), y por eso Netflix no deja de comprar series como 'The Office' o 'Friends', buscando cabeceras que puedan disfrutar de una segunda vida gloriosa.

La otra cara de la moneda. Mientras tanto, las series de Netflix pierden audiencia de una temporada a otra de forma sistemática, aunque su propio informe del primer semestre de 2026 pone sobre la mesa un fenómeno inverso y paralelo: cada estreno nuevo empuja a los espectadores hacia las temporadas viejas. El regreso de 'Bridgerton' casi triplicó el visionado de todas sus temporadas anteriores, y 'One Piece' sumó 69 millones de visionados que en parte fueron a parar a la primera temporada. Y para redondear esas cifras que dejan claro que buena parte del público prefiere un pasado satisfactorio que un presente a medio gas se recurre a series que están "muertas". Pero que aún andan perfectamente.

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Hay un fotograma de 'La Odisea' que ha acabado convertido en cartel oficial: Ulises, de espaldas, espada en ristre, frente a un gigante que le triplica el tamaño. Ese brazo, el que ha hecho creer a medio internet que Matt Damon consiguió la mejor forma física de su vida para el rodaje, no es de Damon. Es de Devyn Dalton, una especialista de 1,37 metros a la que el actor conoció en el catering del rodaje.

El encuentro. El mismo Damon lo contó en el podcast 'Happy Sad Confused' mientras promocionaba la película de Christopher Nolan. Para rodar el ataque de los lestrigones, la tribu de gigantes caníbales que en el poema homérico destruye buena parte de la flota de Ulises, Nolan recurrió a una técnica tan antigua como el cine: la perspectiva forzada. Contrató especialistas de más de dos metros para hacer de gigantes y otros de menos de metro cincuenta para doblar a los protagonistas, de forma que la cámara los mostrara a una escala imposible sin recurrir al CGI. Dalton, de 1,37 metros, mide casi cuarenta centímetros menos que Damon, que ronda los 1,78.

El plano acabó en el póster oficial de la película. "Mi doble era una mujer, una especialista que tenía los mejores brazos que he visto en mi vida", contaba Damon. "Cuando la conocí en la carpa de catering, fui y la abracé, y le di las gracias por todo el trabajo que había hecho". La famosa escena respira la misma filosofía que Nolan ha defendido en toda la promoción de la película: rodar en localizaciones reales y con efectos prácticos.

La especialista. Dalton, canadiense de 34 años, empezó como bailarina y entró en el cine en 2011, cuando fue seleccionada para trabajar en captura de movimiento en la última trilogía de 'El planeta de los simios'. De ahí saltó a los especialistas, con créditos que incluyen 'Weapons' o 'The Last of Us'. 'La Odisea' es la primera vez que dobla a un protagonista masculino de primera fila. "Nunca pensé que fuera a tener eso en mi currículum", contó Dalton en una entrevista: "aunque estés delante de la cámara, si el trabajo está bien hecho, el público no debería saber que eres tú. Parte de nuestro trabajo es quedar ocultos". 

Cuántas mujeres especialistas. Según cifras de SAG-AFTRA, las mujeres representan "poco más del 20%" de los especialistas del gremio; otras fuentes sitúan la cifra en una cuarta parte. El propio sector arrastra denuncias de prácticas como el "wigging": especialistas hombres que se ponen peluca para doblar a mujeres en escenas donde no se distingue el rostro, una práctica que suscitaron protestas en películas como 'Bumblebee'. El caso de Dalton parece servir como una curiosa pieza de justicia poética, aunque todos sabemos la auténtica razón: la minúscula envergadura física de la especialista.

El reconocimiento. En abril de 2025, la Academia de Hollywood anunció la creación de un Oscar a Mejor diseño de especialistas, casi un siglo después de la primera edición de la ceremonia. La categoría debutará en 2028, premiando películas estrenadas en 2027, y sus normas de elegibilidad no se conocerán hasta el año que viene, así que todavía no está claro si un trabajo como el de Dalton (que solo ejecuta la escena) entraría dentro de sus criterios.

Una película sobre cuerpos. Es significativo que esta jugosa curiosidad llegue justo con esta película, que ha propiciado cierto debate acerca de qué cuerpos encajan en la Antigüedad que imagina Nolan. El reparto ya había encendido a cierto sector de la audiencia por llevar a Lupita Nyong'o a interpretar a Helena de Troya, pero el hecho de que la crítica más dura que ha recibido la película venga de una traductora de la obra de Homero que dice que convierte a Calipso en "terapeuta no remunerada" y que las mujeres del reparto no tienen agencia, esta sustitución de Damon no deja de ser una cariñosa colleja casual a determinadas ideas preconcebidas del público más intransigente sobre cómo y de qué forma se debe plasmar a los héroes y sus comparsas en pantalla.

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